June profile

June Poticar Dalisay

June Poticar Dalisay is President of Artemis Art Restoration Services, Inc. A Fine Arts graduate of the University of the Philippines, she also serves as Vice President of the Erehwon Arts Foundation, and has been an active member of other artistic and women’s organizations. She is now training younger Filipino conservators who can continue her work when she retires. She is married to the writer Jose Dalisay.

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By June Poticar Dalisay
In 1999, the Agencia Española de Cooperación Internacional (Spanish Agency for International Cooperation), the National Museum of the Philippines, and the National Commission for Culture and the Arts organized an intensive training program in art restoration and conservation. I was a watercolor painter and a graphic designer at that time, but I was looking to expand my professional horizons, and I applied to join this program, to which I was fortunately accepted.

It was a life-changing experience—not just for me, but also for many other Filipinos who found new careers in art restoration and conservation, thanks to the capable and patient tutelage of our Spanish instructors, who also became our friends. Since then, I have had the privilege of restoring works by some of the Philippines’ foremost artists—from Juan Luna and Fernando Amorsolo to Fernando Zobel and Vicente Manansala, among others—and I now lead my own restoration company, all because of that initial apprenticeship with our Spanish mentors. Our professional relationship blossomed into a personal friendship that allowed us to understand each other as Filipinos and as Spaniards, with all our quirks and mysteries, but also with all the commonalities we shared.

Our classes were held at the National Museum of the Philippines. Aside from lectures, there were practical applications and field trips to different institutions. It was during the field trips that we were able to get to know our Spanish teachers better.

Around 20 individuals from different government institutions around the country participated in the program. Everyone was excited to see the Spanish teachers. We were surprised when they came in through the tall wide doors of the high-ceilinged room. They were young and pretty! The men were giggling and talking in low voices and we women had to hush them up and remind them to keep quiet. I guess they were mesmerized by the statuesque Señorita Patricia Murillo and charming Señorita Cristina Bartolomé.

There were difficult procedures that tested our patience, and mending a tear was one. In my case, Cristina required me to lay and glue threads of the same material as my canvas. Each thread followed the horizontal weave of the canvas cloth. I had to use a pair of tweezers to pick up the thin threads and arrange them in a straight parallel position over the tear. She was very patient and meticulous, and made sure that we were thinking and behaving like real conservators. She would go around and check our work and point out our mistakes and when we could not follow, she would revert to Spanish, and we would all laugh.



The lectures were long but we learned many things, despite the inevitable language barriers. Some of the participants could understand Spanish, and they would supply the equivalent word in English when the two young teachers needed help to express an idea. So we not only learned conservation principles but  we also began to remember the simple Spanish we had been taught in college.

The program was composed of several short courses, such as the history of art, properties of materials and how they react to changes in environment, factors of deterioration, and conservation principles, among others. We had outings that strengthened the bonds between us students and teachers. On a trip to Baguio, we visited the local museums to view the ethnographic items that were made by the tribal people of the Cordillera. Our teacher Gracia Prado fell in love with the woven fabrics, woodcarvings, antique beads, and heirloom necklaces fashioned by the local tribes. Gracia was a young, pretty, and bright teacher, who handled the course on conservation and restoration of polychrome wooden sculpture. On the other hand, Cristina and Patricia were amazed by Manila’s nightlife. Sometimes we went out to savor the lights, sounds, and Filipino cuisine in Malate, a place not far from their hotel. We introduced them to chicharon, the crispy pork skin, and Pinoy barbecue.

The first half of the program focused on providing the participants with the necessary foundation in conservation, before introducing us to the more difficult and complicated course that involved the use of chemicals and complicated invasive procedures. These procedures meant direct physical handling of damaged artworks. I was very eager to flex my muscles, and to challenge myself in this more interesting part of the program.

The second half of the program was an advanced course in the restoration of easel paintings. This involved learning the proper preparation of canvas, starting from washing, ironing and stretching on a properly constructed wooden stretcher, priming the surface with organic glue, and the application of gesso. Each participant was required to prepare a canvas, paint an image on it, and later, inflict some damage on the painted canvas. Some of us made pretty artworks and we did not want to tear or punch holes on our work ! Patricia and Cristina were furious with us and were muttering in Spanish and at the same time laughing because we refused and were afraid to even make small scratches on our work. We eventually mustered the necessary courage and with eyes closed inflicted physical damage on the canvas. I created a tear on mine because I wanted to learn how to address such a major concern.

My favorite part of the course, which I thought was easy, was retouching. I had some advantage over the others since I studied fine arts and was a practicing watercolorist. The exercise in retouching involved tearing a hole on a colored page or picture from a magazine.  A piece of white paper was attached under the hole and retouching proceeded by applying short vertical strokes on the white area using watercolor, a technique called tratteggio. Amy, a close buddy and a graduate of chemical engineering, had a bit of difficulty like the others, but eventually she managed to show something acceptable using the technique.

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Filipinos can be impatient at times. Every once in a while, we would ask our teachers when they would teach us the formulas for cleaning and removing old and darkened varnish. They would tell us repeatedly to wait and we would continue to pester them with the question, “When?” Sometimes it irritated them. Later, I would realize the wisdom in waiting and learning.

Restoring an artwork is not simply repairing physical damage seen on the surface of a painting. A restorer must develop a critical and scientific mind and most of all an understanding of what the original intentions were of the artist. Every artwork is unique and carries in it a valuable piece of history. A restorer must respect the artwork and even love it the way the owner loved it.

The philosophy I learned and have observed as a restorer is that every artwork, whether big or small, must be given importance and respect. Our Spanish teachers emphasized the importance of understanding a painting through thorough analysis of the cloth or canvas, the construction of the wooden auxiliary frame on which the painting is stretched, and the condition of the varnish, paint layer, and decorative frame. Tests are conducted to determine the solubility of all colors. A solubility test is conducted to determine correct procedures in consolidating and strengthening the paint layer. A small piece of cotton wrapped around a bamboo skewer is dipped in different solutions and chemicals. A small area (usually in corners or edges) is tested using small circular motion. The tip of the cotton is checked to see whether the paint is soluble and sticks to the cotton. All of these tests are recorded to serve as guides in cleaning and consolidating the cracked or blistered surface.

Every pertinent detail is recorded and photographed. An intervention plan is designed based on the condition of the painting. Materials and tools are chosen and assembled and prepared before actual restoration commences.

The time came when we were finally given the most coveted secret of all, the formulas for mixing chemicals! Everyone was excited and eager to write every word that came out of our teacher’s mouth. Actually, we were quiet and were focused on the subject matter. We were given a list of safe and most toxic chemicals and solutions that may be used according to the condition of a painting. I still keep my notes and the list and when I bring them out, I am transported to that time when I was an eager student, listening intently and writing down every word that my Spanish teachers uttered.

I established my own art conservation company, the Artemis Art Restoration Services, Inc., in 1999 and have expanded my practice to include the inventory of big private collections. My team of eight conservators continues to work with me and they contribute immensely to the successful completion of various projects, such as the restoration of four murals of Jaime de Guzman for the Cultural Center of the Philippines, a job we completed in just four weeks.

My practice of restoration has led me to certain discoveries and I now use non-toxic ingredients to remove stubborn and deeply ingrained dirt and old discolored and hard-to-remove varnish. I have discovered new sources of local conservation materials, which have lowered the cost of restoration. I have also developed my own techniques in closing and flattening cracks, softening and correcting dents, and patching tears and holes. I will continue to hone my skills and discover new techniques to improve my work to better serve not only my clients but also to contribute to the preservation of Philippine art and culture—all thanks to the generous mentorship of our Spanish teachers.

June profile


June Poticar Dalisay es presidenta de Artemis Art Restoration Services, Inc. Cursó Bellas Artes en la Universidad de Filipinas, es vicepresidenta de  la fundación Erehwon Arts Foundation, participa activamente como miembro de otras organizaciones artísticas femeninas. Actualmente está formando a jóvenes conservadores filipinos que puedan continuar su obra cuando se retire. Está casada con el escritor Jose Dalisay.

June Poticar Dalisay
En 1999, la Agencia Española de Cooperación Internacional, el Museo Nacional de Filipinas y la Comisión Nacional para las Artes y la Cultura organizaron un programa intensivo de formación en restauración y conservación de arte. Yo trabajaba entonces como acuarelista y diseñadora gráfica, pero quería ampliar mis horizontes, así que solicité plaza en el programa y afortunadamente me aceptaron.

Fue una experiencia que me cambió la vida, y no sólo a mí sino también a todos los demás filipinos que descubrieron su nueva carrera en restauración y conservación de arte, gracias a la tutela de los pacientes y cualificados formadores españoles que terminaron convirtiéndose además en nuestros amigos. Desde entonces, he tenido el privilegio de restaurar obras de algunos de los más destacados artistas filipinos, desde Juan Luna y Fernando Amorsolo hasta Fernando Zóbel o Vicente Manansala, entre otros; y actualmente dirijo mi propia compañía de restauración. Todo ello gracias a esa formación inicial con los mentores españoles. Nuestra relación profesional evolucionó hasta convertirse en una profunda amistad que nos permitió entendernos los unos a los otros como filipinos y españoles, con todas nuestras peculiaridades y misterios, pero también con todos los puntos en común que compartíamos.

Las clases se impartían en el Museo Nacional de Filipinas. Además de las clases magistrales, había aplicaciones prácticas y viajes de campo a diferentes instituciones. Esas excursiones eran las que aprovechábamos para conocer mejor a nuestros profesores españoles.

En el programa participaban unas 20 personas de distintas instituciones públicas procedentes de todo el país. Todo el mundo estaba expectante ante la llegada de los profesores españoles y nos sorprendimos cuando los vimos entrar por aquellas puertas enormes de la sala de altísimos techos donde se impartían las clases. ¡Eran jóvenes y guapos! Los hombres se reían y cuchicheaban y las mujeres tuvimos que chistarles y recordarles que debían guardar silencio. Supongo que se quedaron fascinados con la escultural señorita Patricia Murillo y la encantadora señorita Cristina Bartolomé.

Las clases magistrales eran largas pero aprendíamos muchísimo a pesar de la inevitable barrera del idioma. Algunos de los participantes hablaban español e intentaban encontrar el término equivalente en inglés cuando alguno de los jóvenes profesores necesitaba ayuda para expresar una idea. Así que no sólo aprendimos sobre conservación, sino que pudimos recordar un poco las nociones básicas de español que habíamos estudiado en la universidad.



El programa se componía de varios cursos cortos sobre distintas áreas como historia del arte, propiedades de los materiales y forma en que reaccionan ante los cambios ambientales, factores de deterioro, o principios de conservación, entre otros. Hacíamos salidas que fortalecían el vínculo entre los profesores y nosotros. En una excursión a Baguio, donde visitamos los museos locales para ver artículos etnográficos elaborados por las tribus de la Cordillera, nuestra profesora Gracia Prado se quedó enamorada de los tejidos, las tallas de madera, los abalorios antiguos y los collares reliquia diseñados por las tribus locales.  Gracia era la joven profesora, guapa y brillante, que se encargaba del curso de conservación y restauración de escultura en madera policromada. Cristina y Patricia por su parte estaban encantadas con la vida nocturna de Malate, un lugar no muy retirado de su hotel. Les descubrimos el chicharon, las crujientes cortezas de cerdo, y la barbacoa Pinoy.

La primera mitad del programa se centraba en ofrecernos a los participantes la base de conocimientos necesaria sobre conservación antes de introducirnos en otros cursos de mayor complejidad en los que se trataban temas como el uso de productos químicos o en los que nos enseñaban complicados procedimientos invasivos, procedimientos que conllevan la manipulación física y directa de obras de arte dañadas. Yo estaba impaciente por terminar el calentamiento y enfrentarme al desafío de esa nueva parte del programa ya mucho más interesante.

La segunda parte del programa consistía en un curso avanzado de restauración de pintura de caballete. En este nuevo campo se incluía la preparación correcta del lienzo, desde el lavado y el planchado hasta el tensado en un bastidor adecuado, imprimando la superficie con pegamento orgánico y aplicando gesso. Cada participante tenía que preparar un lienzo, pintar algo sobre él y, después, dañar de alguna manera el lienzo pintado. Algunos (¡yo incluida!) pintamos cuadros realmente bonitos y después no queríamos rasgarlos ni estropearlos. Patricia y Cristina se pusieron como locas y mascullaban en español, al tiempo que se morían de risa, porque no queríamos ni nos atrevíamos a hacer el más mínimo arañazo a nuestra obra. Al final hicimos de tripas corazón y, cerrando los ojos, estropeamos los lienzos. Yo rasgué el mío porque tenía especial interés en aprender a resolver ese tipo de daño.

Había procedimientos realmente difíciles que ponían a prueba nuestra paciencia y arreglar un lienzo rajado era uno de ellos. En mi caso, Cristina me pidió que colocara y pegara hilos del mismo material que mi lienzo. Cada hilo seguía el tejido horizontal de la tela del lienzo. Tuve que utilizar unas pinzas para coger los hilos y colocarlos en paralelo por encima de la raja. Cristina era muy paciente y meticulosa y siempre se aseguraba de que pensásemos y nos comportásemos como verdaderos conservadores. Se paseaba por la clase controlando nuestro trabajo y nos señalaba nuestros errores. Y cuando no la seguíamos, volvía al español entre el regocijo general.

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Mi parte favorita del curso y la que me resultó más sencilla fue la dedicada al retoque. Tenía algo de ventaja sobre mis compañeros ya que había estudiado bellas artes y tenía experiencia como acuarelista. El ejercicio de retoque consistía en hacer un agujero en una página coloreada o en una foto de una hoja de una revista. Se pegaba una hoja en blanco por debajo del agujero y había que retocar la imagen aplicando pinceladas verticales en la zona blanca utilizando acuarelas; una técnica que se denomina tratteggio. A Amy, una buena amiga y licenciada en ingeniería química, le resultó un poco difícil, como a los demás, pero al final se las arregló para lograr un resultado aceptable aplicando la técnica.

Los filipinos somos un poco impacientes a veces. De vez en cuando les preguntábamos a los profesores  cuándo nos iban a enseñar las fórmulas para limpiar y eliminar barniz viejo y oscurecido. Nos decían una y otra vez que debíamos esperar y nosotros insistíamos asediándoles: «¿Cuándo?». A veces les sacábamos de quicio. Más adelante me daría cuenta de la sabiduría que se obtiene esperando y aprendiendo.

Restaurar una obra de arte no consiste sólo en reparar los daños físicos apreciables en la superficie de un cuadro. Un restaurador debe desarrollar una mentalidad crítica, científica y, ante todo, la capacidad de entender cuál era la intención original del artista. Toda obra de arte es única y esconde en sí misma un valioso pedacito de historia. Un restaurador debe respetar la obra de arte y amarla con la misma intensidad que su autor.

La filosofía que he aprendido y he acatado como restauradora es la de que toda obra de arte, grande o pequeña, es importante y se le debe respeto. Nuestros profesores españoles insistían en la importancia de entender una pintura a través del análisis del color del tejido o de su lienzo, de la construcción del bastidor sobre el que está tensado el mismo, del estado del barniz, la capa de pintura y el marco decorativo. Se realizan pruebas para determinar los procedimientos correctos para consolidar y fortalecer la capa de pintura. Se toma un poquito de algodón envuelto en torno a una varita de bambú y se sumerge en diferentes soluciones y químicos; se realiza una prueba con movimientos circulares en una zona pequeña (normalmente en las esquinas o en los bordes); se analiza el algodón para comprobar si la pintura es soluble y se pega al algodón. Todas estas pruebas se documentan para utilizar esa información como guía a la hora de limpiar y consolidar la superficie agrietada o abultada de un cuadro.

Cada detalle pertinente se documenta y se fotografía. A continuación se diseña un plan de intervención según el estado del cuadro. Se eligen los materiales y herramientas necesarios, y se preparan antes de comenzar el verdadero proceso de restauración como tal.

Al final llegó el momento en que nos desvelaron el secreto mejor guardado: ¡las fórmulas para mezclar los productos químicos! Todos estábamos emocionados e impacientes y queríamos apuntar cada palabra que salía de la boca del profesor; estábamos en absoluto silencio y totalmente concentrados en lo que escuchábamos. Nos dieron una lista de los productos y de las soluciones seguras y peligrosas que se pueden utilizar en función del estado de un cuadro. Todavía guardo aquellos apuntes y esa lista, y cuando los saco me vuelven a transportar a aquel momento en que era una estudiante ansiosa por aprender, que escuchaba atentamente y anotaba cada palabra que salía de la boca de mis profesores españoles.

Monté mi propia empresa de conservación, Artemis Art Restoration Services Inc., en 1999 y he ampliado mi práctica profesional para incluir el inventario de grandes colecciones privadas. Cuento con un equipo de ocho conservadores que trabajan conmigo y contribuyen enormemente al éxito con el que realizamos diversos proyectos, como la restauración de cuatro murales de Jaime de Guzman para el Centro Cultural de Filipinas, trabajo que terminamos en sólo cuatro semanas.

Mi práctica en el campo de la restauración me ha llevado a realizar ciertos descubrimientos y ahora utilizo ingredientes no tóxicos para eliminar manchas rebeldes y muy impregnadas y el barniz viejo y descolorido que resulta difícil eliminar. He descubierto nuevas fuentes locales de materiales de conservación con los que he podido reducir el coste de las restauraciones. Además, he desarrollado mis propias técnicas para cerrar y encolar grietas, suavizar y corregir abolladuras, o cubrir rajas o agujeros. Continuaré perfeccionando mi técnica y descubriendo nuevos métodos no sólo para ofrecer un mejor trabajo a mis clientes sino también para contribuir a la conservación del arte y la cultura de Filipinas; todo ello gracias a la generosa colaboración como mentores de nuestros profesores españoles.